Венецианские художники XV-XVI вв.

Венецианские художники XV-XVI вв.

Беллини, Джорджоне, Тициан, Веронезе, Тинторетто

На берегу Адриатического моря, в заливе, тесно прижались друг к другу низкие острова. В IV—VI вв. здесь возник город мореплавате­лей и торговцев — Венеция, которую уже в X столетии стали называть «царицей Адриати­ки». Сюда стекались сокровища Востока и всех средиземноморских стран. Город рос, его укра­шали прекрасными сооружениями, облицован­ными мрамором, выложенными мозаикой, на пло­щадях воздвигали каменные колонны, приве­зенные из далеких стран скульптурные памят­ники. В богатом торговом городе широко раз­вивалось искусство. Наибольшего расцвета до­стигло оно в XV—XVI вв.

Венецианские живописцы XV в. получали заказы на картины главным образом от церкви. Чаще всего они изображали мадонну, торжест­венно восседающую на троне в окружении анге­лов и святых. Яркие ткани с крупными восточ­ными узорами широкими складками ниспадали с застывших, симметрично расставленных фи­гур. Полоса золотой парчи свешивалась за фи­гурой мадонны, служа ей фоном. Иногда в глубине картины виднелся далекий пейзаж — группы деревьев и горы на горизонте.

«ХОРОШАЯ ЖИВОПИСЬ — ЭТО МУЗЫКА, ЭТО МЕЛОДИЯ».

МИКЕЛАНДЖЕЛО

Алые и сапфирово-синие краски венециан­ских картин сверкали, поражая своей яркостью и свежестью. В Венеции раньше, чем в других

городах Италии, стали применять масляные краски. Это было большим событием в живо­писи. Ведь масляные краски позволяют пере­давать свет, влажность, блеск так, как с помо­щью других красок, например темперы, этого передать не удавалось (см. ст. «Живопись»).

Во второй половине XV в. самым крупным художником Венеции был Джованни Беллини (1430—1516). Фигуры людей на его картинах написаны объемно, позы их естественны и в то же время неизменно величавы. При изображе­нии неба ему удавалось передать глубину про­странства, воздушность дали.

Но ученики Беллини — Джорджоне из Кастельфранко и Тициан Вечеллио оставили учи­теля далеко позади, открыв перед живописью своего времени новые возможности.

В своем родном городе Джорджоне (1477— 1510) создал для церкви картину, изве­стную под названием «Мадонна Кастельфранко» (ок. 1505. Картина оста­лась в алтаре капеллы собора в Кастельфранко, для которого была заказана в память о погиб­шем юноше). На первый взгляд картина кажет­ся похожей на работы других учеников Белли­ни: мадонна изображена в центре на возвыше­нии, внизу — двое святых (один из них — мо­нах, другой — молодой воин в блестящих латах). Но главное в картине — ее эмоцио­нальность, выразительность; все в ней подчи­нено грустному настроению. Мадонна, чуть придерживая на коленях младенца, задумчиво глядит на саркофаг у подножия трона. Выра­жение сдержанной печали объединяет непод­вижные фигуры. Светлый и жизнерадостный пейзаж, виднеющийся вдали, оттеняет задум­чивость фигур.

К началу XVI в. европейские художники научились уже подмечать особенности родной природы, однако пейзаж по-прежнему служил главным образом фоном для фигур. В картине «Гроза» (ок. 1505, Венецианская Академия) Джорджоне отвел пейзажу главную роль и по­казал определенное состояние природы — мо­мент надвигающейся грозы: потемневшее небо пересекает молния. И что особенно важно — взволнованная природа находится в соответ­ствии с душевным состоянием людей, изобра­женных на картине. В дальнейшем живописцы постоянно, чтобы подчеркнуть уныние, тревогу или радость человека, передавали в своих кар­тинах ненастье, бурю или сияние солнца.

В эпоху Возрождения нередко изображали Юдифь — героиню древнего сказания — как символ героизма, подвига. Рискуя жизнью, она проникла в лагерь врагов и отрубила голову их предводителю. Джорджоне в своей картине «Юдифь» (ок. 1502) подчеркнул уверенность молодой женщины в собственной правоте, при­дав облику своей героини женственную пре­лесть и спокойствие. Лицо Юдифи освещено еле заметной нежной улыбкой, взор опущен; ее развевающаяся одежда, выделяясь на голубо­вато-зеленом фоне далекого пейзажа, перели­вается различными красками, от золотисто-розовой до вишнево-красной. Джорджоне пере­дает переходы и оттенки цвета, чистые и глубо­кие тона тени. Богатство красок, их сочетаний, т. е. богатство колорита, характерное для вене­цианских живописцев, усиливает выразитель­ность произведения.

В 1510 г. Джорджоне, еще молодой, погиб от чумы. Незаконченной осталась его картина «Спящая Венера» (1507—1508, Дрез­денская галерея). В образе богини, спящей в тени холма, воплощено представление людей Возрождения об идеальной красоте. Работу погибшего друга закончил один из величайших мастеров Возрождения Тициан.

Тициан Вечеллио (1477 или 1485—1576) про­жил долгую жизнь. Произведения позднего периода его творчества сильно отличаются от ранних. Между 1500 и 1516 г. он написал ряд картин на евангельские, мифологические, алле­горические сюжеты. Их роднит энергия и сила цвета, тонкая и живая передача обнаженного тела, теплое сияние солнечного света.

1517—1530 годы — время, когда талант Тициана достигает зрелости, а слава его выходит за пределы Италии. Жизнерадо­стный дух, свойственный искус­ству Возрождения, в этот период пронизывает произведения Ти­циана. Художник свободно об­ращается с сюжетами, которые избирает. В «Празднике Венеры» (1518, Прадо, Мад­рид) на лужайке резвится тол­па маленьких амуров с голубы­ми крылышками: одни пускают стрелы друг в друга, другие де­рутся или уплетают румяные яблоки.

В произведениях на рели­гиозные сюжеты также свобод­но проявилось поэтическое во­ображение художника. Громад­ная картина «Ассунта» («Воз­несение Марии», 1518, Венеция) изображает вознесение мадонны на небо. Однако фигура Марии ярко воплощает человеческие чувства: в закинутой голове, в восторженно поднятых руках выражены торжество, радость, сила и вдохновение. Энергич­ные, насыщенные цвета ее одеж­ды на фоне светлого, сияющего неба создают настроение радо­стного торжества. Тициан в со­вершенстве владел искусством выражать чувства и настроения человека в сочетаниях красок. Много сил отдавал художник портретной живописи. Окружен­ный почетом и восхищением со­временников, он жил богато и не­зависимо. Венецианская знать, германский император и испан­ский король добивались согласия Тициана работать для них. Но он выполнял лишь те заказы, которые были ему по душе. В портретах Тициан не только добивался внешнего сходства, но и смело раскрывал черты характера. Угрю­мым и недоверчивым выглядит на его портрете папа Павел III, мрачными суровым — импера­тор Карл V. В портрете ученого Тициан под­черкивает одухотворенное выражение глаз, а в портретах знатных дам с таким же внима­нием передает все складки и шитье, с каким относились к своим нарядам эти красавицы.

В середине XVI в. Италия переживала тяже­лые времена. Правда, Венеция, где жил Тициан, не подвергалась нападению чужеземцев, ее по­чти не коснулась и церковная реакция. Но ху­дожник не был равнодушен к судьбе других го­родов страны, — работы старого Тициана все сильнее выдают его скорбь и глубокую тревогу.

К 60-м годам XVI в. относится картина «Кающаяся Магдалина» (1560— 1565;). Сюжет заимство­ван из легенды об отшельнице, оплакивающей грехи своей юности. Но у Тициана она превра­щается в своеобразное воплощение человечес­кого горя. Сдержанные, неяркие краски отве­чают настроению глубокой скорби, охватившей женщину. Уверенное мастерство художника позволяет ему с величайшей убедительностью передать ее заплаканные глаза и застилающую их влажную пелену слез, блеск волнистых во­лос, сверкание стеклянной вазы в полумраке.

Необычным для той эпохи было произведе­ние поздней поры творчества Тициана — «Св. Себастьян» (1570; см.). Согласно легенде, римский воин Себастьян принял христианство, за что и подвергся мучениям. Тело привязанного к дереву героя, в которое вонзаются стрелы врагов, как бы сливается с темными красками фона. Неваж­но — деревья, кусты или клубы дыма изо­бражены там. Потоки краски, густой в свету и легкой, тающей в тени, передают движение, напряжение и в большей мере, чем страдаль­ческое выражение лица, раскрывают трагичес­кий смысл события. На произведениях Тициана учились не только его младшие современники, они оказывали величайшее воздействие на европейскую живопись в течение столетий.

Крупнейшими художниками Венеции вто­рой половины XVI в. были также Паоло Веронезе и Якопо Тинторетто.

Паоло Веронезе (1528—1588) — великий ма­стер декоративной живописи, создатель гро­мадных эффектных картин, украшающих по­толки и стены Дворца дожей. Эти картины име­ют аллегорические и мифологические сюжеты.

В своей колоссальной картине «Брак в Кане Галилейской» (1563, Лувр, Париж) Веронезе, воспользовавшись евангель­ским сюжетом в качестве предлога, изобразил пышный пир, красочную толпу нарядных го­стей, музыкантов, слуг — все это на фоне вели­колепных архитектурных сооружений.

Живопись Веронезе отличается живостью и жизнерадостностью, гибкостью фантазии, яркой, сверкающей красочностью, тонким ощу­щением света. Впрочем, на поздних этапах творчества и в его искусство проникают тре­вожные, сумрачные настроения.

Вольное обращение с евангельскими сюже­тами, свойственное Веронезе, в 70-х годах за­ставило насторожиться церковников: его даже вызывали в папский трибунал, требуя измене­ний в картине «Тайная вечеря» (до 1573;), переименованной за­тем в «Пир в доме Левия».

Якопо Тинторетто (1518—1594) в юности сделал своим девизом слова: «рисунок Микеланджело, колорит Тициана». Сверкающая кра­сочность роднит его живопись с искусством дру­гих венецианцев. Но у Тинторетто много ориги­нальных особенностей. В картине «Битва архангела Михаила с сатаной» (конец 80-х годов XVI в.) действие перенесено в воздух; все пространство запол­нено струящимися потоками розовато-пепель­ных тонов. В своих поздних произведениях, по большей части сумрачных и взволнован­ных, Тинторетто передает оттенки трагических настроений своих героев, изображает толпы, захваченные порывом бурного чувства.

XVI век был периодом последнего высокого взлета итальянского искусства. Это, однако, не значит, что в последующие столетия оно не раз­вивалось и не принесло мировой художественной культуре никаких ценностей. На рубеже XVI — XVII вв. большую роль в развитии европейской живописи сыграл Микеланджело Меризи да Ка­раваджо. Большой известностью пользовались итальянские живописцы XVII — XVIII вв. Доменико Фетти, Алессандро Маньяско и Джузеппе Мария Креспи. Традиции монументально-декора­тивной живописи итальянского Возрождения про­должал в XVIII столетии венецианец Джованни Баттиста Тьеполо.

В развитии европейской архитектуры и скульптуры большую роль сыграли мастера италь­янского барокко, работавшие в XVII в. в ос­новном в Риме. Центральной фигурой здесь был Джованни Лоренцо Бернини.

В XVII — XVIII вв. Италия уже не имела того влияния на другие европейские страны, ка­кое имела она в эпоху Ренессанса. Но традиции ренессансной культуры помогали итальянским мастерам создавать памятники высокого зна­чения.